Die DDR und die STASI – Meine Erlebnisse in Ostberlin und Leipzig 1973 bis 1987

Die DDR: 28 Jahre deutsche Einheit

Meine Erlebnisse mit der Stasi in OstBerlin und Leipzig 1973 bis 1987

Der Liedermacher Wolfgang Biermann  – die Älteren der unter uns mögen sich erinnern  – sass bereits nicht mehr in der Chaussestraße 131 und sang zur Gitarre in das Mikrofon seines  Grundig Tonbandgeräts, als ich in den Siebzigerjahren des vorigen Jahrhunderts  das zweifelhafte Vergnügen hatte, in der Hauptstadt der DDR, also in Ostberlin, an einen sogenannten Mitarbeiter des Ministeriums für Staatssicherheit der Deutschen Demokratischen Republik zu geraten.

Sonniger Sonntagmorgen in Leipziz 1984.

Die DDR war für uns Studenten im Westen naturgemäß ein geradezu einzigartiges Faszionosum und Paradoxon zugleich. Faszinierend, weil seit über zehn Jahren  verborgen hinter einer Mauer  eine für die sogenannten Bundesbürger nahezu unsichtbare Existenz führend, paradox andererseits weil diese sogenannte Demokratie sich spätestens mit dem Bau der Mauer in Berlin als das zu erkennen gegeben hatte, was sie war: eine Diktatur. Und zwar nicht die vielbesungene Diktatur des Proletariats sondern eine unterdrückerische und menschenverachtende,  geschlossene Veranstaltung der Einheitspartei SED.

Geschlosen und eben auch verschlossen  deshalb, weil den unfreiwilligen Teilnehmern – den Bürger der Deutschen Demokratische Republik – nicht gestattet war, mal eben ein wenig draussen frische Luft zu schnappen. Den freien Blick versperrte eine Mauer, das freie Wort wurde verschluckt.
Freiheit kann eben auch die Freiheit von allem sein. Diese  sogenannte Freiheit als Abwesenheit von  jeglicher individueller Freiheit war  die tatsächliche Lebenswirklichkeit für Millionen Menschen in diesem „Arbeiter und Bauernstaat“, des „ersten sozialistischen Staates auf deutschem Boden“.

Mit Herz und Kopf ansingend gegen die bestehenden Verhältnisse, verschaffte sich der Grosskommunist , Poet und Liedermacher Wolfgang Biermann zuerst in der DDR ein Auftrittsverbot (1965), dann  ein modernes Tonbandgerät nebst Senheiser-Mikrofon aus dem Westen, um frech und frei ab sofort in seinem Wohnzimmer gegen die Betonköpfe der sozialistischen Einheitspartei Deutschlands anzubrüllen.
Diese schönen, trotzigen Lieder,  signiert mit der  Melancholie des Romantikers, wurden dann zur Freude aller westlicher Sympathisanten  von Columbia Records  in Vinyl geschnitten. Naturgemäss beim Klassenfeind in der BRD.

Es waren vor allem  auch diese freimütigen, unzensierten und bissigen Gedichte, Lieder und  diese flamboyante Kritik am real existierenden Sozialismus in der DDR, die in der Studentenschaft der BRD  mehr Anhänger  inspirierten und mobilisierten als im sozialistischen Osten. Linke Weststudenten und Intellektuelle zog es in Folge  magisch in das Deutschland hinter der Mauer , dort Kontakte suchend und knüpfend, die alltägliche Lebenswirklichkeit zu erkunden, ungefiltert  das sogenannte wahre Leben dieser geschlossenen Gesellschaft im Alltag, in der Praxis und nicht nur in der rotgefärbten Theorie der verschiedenen Parteigänger kennenzulernen.

Es gibt kein richtiges Leben im falschen. Wohl war !  Und eingedenk  dieser  Dialektik vertrieben sich die Jungs von der Staatssicherheit tagtäglich die Zeit damit zu verhindern, dass die leider notorisch  unzuverlässigen Arbeiter und Bauern ein falsches Leben führten. Denn was richtig war und was das richtige Leben war,  das bestimmte hier  die Partei, die immer Recht hatte. Verkehrte Welt, die platte Dialektik  der Staatssicherheit. So hatte es Adorno eigentlich nicht gemeint und die grosse Sehnsucht nach dem falschen Leben sorgte nicht nur in der Chausseestrasse 131 für kreativ subversive Umtriebe.

Torgau an der Elbe. Der Gedenkstein unten rechts im Bild erinnert an das Zusammentreffen der amerikanischen und sowjetischen Streitkräfte  am 25. April 1945 in Strehla bei Torgau.

 

Gesungen wurde in Biermanns guter Stube bis zum Herbst 1976  auch immer von der Stasi . Die „Stasiballade“ war mit Wortwitz und Ironie eine bitterböse Abrechnung mit dem Unterdrückungs- und Überwachungssystem der DDR mit seinen  zahllosen und allgegenwärtigen Spitzeln und Zuträgern. Gewiss, aufgefallen war  den Intellektuellen in der BRD durchaus,  dass die Wirklichkeit in der DDR dem hohen Anspruch der sogenannten Genossen im Politbüro nirgendwo genügen konnte. Woraus sich unter anderem ergeben musste , dass  „solange der gesellschaftliche Gesamtzusammenhang hinter dem Masstab eines gerechten Lebens zurückfällt, es für die Menschen gar nicht möglich ist, moralisch richtig zu handeln!“
 Da schau her.
 Jede Trennung des moralischen Prinzips vom gesellschaftlichen hat auch den Verzicht auf menschenwürdige Verhältnisse zur Folge. Hören wollte man solche Theorien in Ostberlin ungern.
Die wohlwollende Sympathie, mit welcher der  in der DDR angeblich  real existierende Sozialismus von den westdeutschen Intellektuellen betrachtet wurde,  trieb oftmals seltsame Blüten. Viele aber hofften mit Biermann unverzagt auf die zukünftige  Besserung der Verhältnisse:
„Wir machen hier Sozialismus,
trotz Rotz und Stalinismus
und öffnen uns noch die Welt !“
( enfant perdu )
Die Milchbar „Espresso“ in Ostberlin
Es war gegen Ende des Jahres 1974, als ich erstmals in Kontakt mit der Staatssicherheit der Deutschen Demokratischen Republik geriet. Ich trank einen Kaffee in der neuen Milchbar „Espresso“ am Alexanderplatz, nachdem ich meine erste Runde im Panoramacafe des neuen Fernsehturms gedreht hatte und den klaren Blick hinüber ins westliche Berlin genossen hatte. Diese erste Ansprache war leider ebenso plump wie vorhersehbar, denn der Stasi-Mitarbeiter war ja als solcher  sowohl in Berlin Ost als auch in Leipzig überall und jederzeit sofort erkennbar an seinem „unauffälligen“ Herumlungern bevorzugt in den von  Touristen frequentierten Lokalitäten sowie an den öffentlichen Treffpunkten Alex, Unter den Linden et al. Der junge Mann, er nannte sich Sascha, sprach mich  freundlich an meinem Tisch an. Er hatte mich selbstverständlich  als „Westler“ erkannt , was er mir nun auch sofort kundtun musste. Dass ich ihn ebenfalls auf den ersten Blick als Stasi-IM enttarnt hatte, verschwieg ich naturgemäss. Ich gab den naiven Westdeutschen, auf Sightseeing im neuen Zentrum der DDR-Metropole und lobte über die Maßen den Kaffe im sich ewig drehenden  Fernehturm-Cafe. Er war scheinbar begeistert ob meines Lobes.
Weimar zu Zeiten der Deutschen Demokratischen Republik 1984.

Meissener Porzellan 

Sich anschloss ein Spaziergang in der Septembersonne Unter den Linden, denn ich suchte hier nun gezielt ein Geburtstagsgeschenk für meine Mutter. Warum nicht aus der Hauptstadt des ersten deutschen Arbeiter- und Bauernstaates ? Die grossen Schaufenster der offiziellen Verkaufstelle der Meissener Porzellanmanufaktur zogen mich magisch an, etwas zum Unwillen meines unfreiwilligen Fremdenführers: „Meissner darfst Du nicht exportieren, das werden sie Dir sicher an der Grenze wegnehmen“.

Ich ging trotzdem hinein, er folgte schweren Fusses. „Ich kaufe immer soviele Bücher, da werde ich eine kleine Vase sicher ganz gut verstecken können“ erwiderte ich unbesorgt und erstand eine etwa fünfzehn Zentimeter hohe Vase, welche ich besonders sorgfältig und liebevoll verpacken ließ. Sie kostete stolze hundertachtzig Ostmark ! Da ich unerlaubterweise meine Ostmark in Westdeutschland zum Kurs von eins zu sechs eingekauft hatte, zahlte ich also lediglich dreissig Westmark für das gute Stück.

Dieser heimliche Devisentransport war damals für einen armen Studenten unerlässlich, wollte er möglichst billig möglichst viele Bücher im Osten einkaufen. Gab ja Klassiker, Kunst und Literatur in Hülle und Fülle ( sogar Arno Schmidt !!!), auch interessante Lizenzausgaben. Und zur Tarnung immer ein paar blaue Bände Marx und Engels obendrauf . Drei Bände Kapital stabilisieren das Regal – und erfreuten den Grenzer.

Der arme Student kam glaubhaft rüber, ich fuhr schliesslich R4 ! Glaubhaft rüber kam bei mir auch das Angebot meines treuen Stasi-Begleiters, mir doch lieber die kostbare Vase per Post nachzusenden: „Da kannst Du sicher sein, dass sie auch ankommt ! Die machen doch eh nur Stichproben bei der Post.“ Dass die Vase sicher ankommen würde glaubte ich ihm naturgemäss sofort .

Zehn Tage später war sie da. Die Stasi war in jeder Hinsicht zuverlässig . Meine Mutter war begeistert !

Es folgten mehr oder weniger regelmässige Postkarten bis im darauffolgenden Sommer eine Einladung nach Ostberlin folgte. Er würde sehr gern auch einmal meine Frau kennenlernen und uns zu seinem Geburtstag einladen, es seien ja nur 300 Kilometer von Hannover und so weiter… . Kam ein bisschen plötzlich, diese recht private Einladung, aber wir nahmen an.

„Sehr gern“ sogar, wie meine Frau hinzusetzte. Sie war in der Tat sehr neugierig auf Ostberlin und die DDR !

Grau und kalt war der März im tristen Zentrum Dresdens 1986. Fotos: Jürgen Mügge.Luttermann

folgt:

Ein denkwürdiges Abendessen in den „Zille Stuben“

Die Stasi und die Galerie EigenArt in Leipzig 1987

Thomas Pynchon über Melancholie

Die Trauer der Moderne

 

„Als  „Bartleby der Schreiber: Eine Geschichte der Wall Street“ 1853 erschien hatte der Dämon Melancholie den letzten religiösen Anschein bereits verloren und war jetzt nichts Geringeres als ein Verstoß gegen die  vulgären Ausschweifungen einer entfesselten Ökonomie. Mitten im Räuberhauptmann-Kapitalismus entwickelt der Protagonist das, was sich als die finale Tristesse erweisen soll.

Es ist wie eine dieser Erzählungen, in denen der Desperado immer wieder die Art von Entscheidungen trifft, die ihn unausweichlich dem ultimativen und schlimmen Finale näher bringen.Bartleby sitzt dort in einem Büro an der Wall Street und sagt: „Ich würde es lieber nicht tun.“ Während sich seine Möglichkeiten immer mehr verengen, wird sein Arbeitgeber, ein unantastbarer Mann von einiger Statur, dazu gebracht, die Koordinaten seines eigenen Lebens in Frage zu stellen.

Miserabler Schreiber – dieser Schriftsteller, der, obwohl er naturgemäß zu den Niedrigsten in der Arena des Kapitalismus zählt, sich standhaft weigert,  weiterhin mit der herrschenden Ordnung zu interagieren.

So stellt sich sofort die interessante Frage: Wer oder was ist schuld an diesen angepassten Feiglingen und Mitläufern, allesamt Personen, die geradezu gednkenlos und gewohnheitsmäßig mit der Wurzel allen Übels kollaborierten und all diese unmoralischen Dinge tun als Gegenleistung für einen Gehaltsscheck und ein schäbiges, stressfreies Leben.

Besser nichts tun? Du beharrst in Trauer? Um in Trauer zu bestehen?

„Bartleby“ ist auch das erste große Epos einer entleerten Moderne, auf das bald Werke von Kafka, Hemingway, Proust, Sartre, Musil und anderen folgen werden. Schauen Sie auf die Liste Ihrer  bevorzugten Autoren und Sie werden sehr schnell den Helden treffen und kennenlernen, der  nicht ohne Stolz, Hochmut und Ironie seine  Trauer trägt, die unserer eigenen Zeit so eigentümlich ist. “

Aus Thomas Pynchons Erzählung: „Sloth – näher meine Couch zu Dir“.

About James Joyce #2

James Joyce

Ein Portrait des Künstlers als junger Mann

 

Vor hundert Jahren sorgte die Veröffentlichung von James Joyces Porträt des Künstlers als junger Mann bei Schriftstellern und Kritikern für solche Bestürzung und Empörung, dass die literarische Welt in den folgenden Debatten über ihre Verdienste und Methoden gespalten war.

Ein Rezensent in beklagte, dass“ sein Stift, anstatt auf die Sterne über ihm zu zeigen, auf einen Misthaufen deutet. Ein einflussreicher Literaturredakteur der Zeit, in einer höhnischen Rezension beurteilte den Roman formlos und schloss, dass „es zweifelhaft ist, ob er aus Joyce einen Romanschriftsteller machen wird.“

Trotz ihrer schonungslosen Kritik haben die gleichen Kritiker die Qualitäten des Romans zugegeben. Man erkannte auch damals durchausdass Joyce „Prosa-Instrument eine bemerkenswerte Krat besitzt. Nur wenige zeitgenössische Schriftsteller sind so vielseitig ; seine Methode variiert mit dem Thema und versagt nie. “

Die stark negativen Reaktionen trotz Joyces literarischer Begabung zeigen, was Literatur wirklich ist. Joyce wurde beschuldigt, die gesellschaftlich akzeptierten Konventionen überschritten zu haben und gewisse ungeschriebenen Regeln, was man äußern konnte und was unausgesprochen bleiben sollte und musste, nicht beachtet zu haben. Das stimmte naturgemäß  und war ein Teil von Joyces literarischen Bemühungen. Der herrschende und beherrschende viktorianische Sinn für „Moral und Anstand“ beruhte auf den überholten Begriffen einer Konvention, die sich in Heuchelei verwandelt hatte.

james-joyce_wikimedia

Joyces Ziel war es, jene Haltung zu verunglimpfen, die sich als symptomatisch für die Übergänge von der viktorianischen zur modernen Zeit erwies. Trotz und sogar gegen die Versuche, abweichende Stimmen in Literatur und Kunst zu unterdrücken, war es offensichtlich, dass das literarische Feld  von Joyce und anderen völlig neu beackert wurde. Auch wenn  Porträt des Künstlers als junger Mann in der tradierten Form eines Bildungsroman geschrieben wurde, sprach er mit moderner Zunge.

Ein Teil des Grundes könnte auch reiner Rassismus gewesen sein, denn man vergisst leicht,  dass die Iren auch die „kolonisierten“ Menschen ihrer Zeit waren, und auch ein Autor wie James Joyce  wurde mit der Herablassung behandelt, die die Kolonisatoren den Kolonisierten, besonders denen auf dem Gebiet der Literatur, zukommen ließen. Eine frühere Version seines Romans hieß in der Tat Stephen Hero , der Titel der beliebten irischen Ballade Turpin Hero .

Der Protagonist trägt den Namen Stephen Dedalus, der auf den griechischen Mythos des Daedalus anspielt und so den Roman in einen klassischen Bezug stellt. Dem Roman ist eine Inschrift aus Ovids Metamorphosen vorangestellt  .

Daedalus war ein Erfinder, Handwerker und Baumeister aus Athen am Hof ​​von König Minos auf Kreta. Er hatte ein Labyrinth für den König gebaut, um den Minotaurus einzusperren. Er verlor den Schutzdes Königs, nachdem der König entdeckt hatte, dass Daedalus Prinzessin Ariadne geraten hatte, Theseus eine Schnur zur Verfügung zu stellen, damit er nach der Ermordung des Minotaurus den Weg zurück aus dem Labyrinth finden könne.

Der König inhaftierte Daedalus und seinen Sohn Ikarus im Labyrinth. Wissend, dass er seinem architektonischen Wunderwerk nicht entkommen konnte, baute Daedalus riesige Flügel mit mit Wachs verklebten Korbweidenästen. Daedalus und Ikarus flohen aus dem Labyrinth, trotzten der Schwerkraft und gewannen die Freiheit. Doch Ikarus, der entgegen dem Rat seines Vaters der Sonne zu nahe kam, ging zugrunde. Die Inschrift beschreibt diesen kreativen Moment, als Daedalus den Prozess der Zusammenstellung der Zweige einleitet, um die Flügel zu formen.

Die Inschrift und der mythische Name, dessen wörtliche Bedeutung „listiger Kunstfertiger“ ist, bilden den Rahmen, in dem der Roman und der Protagonist angesiedelt werden sollen. Die Motive des Gerissenen, Erfindungsreichtums, der Freiheit, des Labyrinths durchdringen die Erzählung.

Die Geschichte des Romans ist einfach und zeigt die Entwicklung des Protagonisten von der Kindheit bis zur Jugend, als er seine künstlerische Berufung entdeckt. In der Eröffnungsszene trifft die äußere Realität auf Dädalus ‚kindlichen Geist, imitiert von der Sprache und den syntaktischen Strukturen. Während sich sein Bewusstsein entwickelt und er intellektuell reift, werden Sprache und Bilder zunehmend komplexer und zeigen, wie Ideen und Realität im menschlichen Verstand heranreifen.

Während er liest und reflektiert, wird er sich der Macht der Ideen und seines eigenen Intellekts bewusst. Überall um ihn herum muss er sich mit der politischen, sozialen und religiösen Welt Irlands auseinandersetzen. Trotz seiner wachsenden Einsichten sieht er sich von allen abweichend. Hier bieten ihm Kontemplation und Analyse Trost und führen ihn zu einem neuen Weg, als er instinktiv die Heuchelei und die Falschheit der Lebenssituation seiner Zeitgenossen spürt.

Er erkennt, dass die Sitten und Normen dieser Gesellschaft in einer überkommenen Welt und in falscher Ethik und Moral verwurzelt sind. Diese schaffen die Labyrinthe für die, Menschen, die in diesen Gesellschaften leben müssen und entwerten damit nicht nur das Leben sondern auch die menschliche Vorstellungskraft.

Die irische Geschichte und Politik bilden dieses Labyrinth, und die verkalkten Institutionen ein anderes, und von diesen beiden befreit er sich durch seine Flucht. Es ist die Kunst, die ihm die Flügel und kreativen Freiheiten schenkt. Dies führt zu seiner endgültigen Erkenntnis, dass sein Lebensinhalt ist:

„Leben, irren, fallen, triumphieren, Leben aus dem Leben neu erschaffen!“

– ein humanistisches und zugleich ästhetisches Manifest.

Im Roman verfeinerte und vervollkommnete Joyce die Technik des zentralen Bewusstseins, um Dedalus‘ Subjektivität der äußeren objektiven Realität gegenüberzustellen. Es ist eine subtile Methode, da es ihm hiermit gelingt, den Leser in den Kopf des Protagonisten zu versetzen, so dass die Intimität zwischen den beiden unauffällig wächst. Diese Intimität lässt uns Dedalus Isolation und Entfremdung von innen erfahren. Wir spüren sein akutes Gefühl der Entbehrung,  nämlich dass die zentralen Institutionen –  politische, religiöse und auch kulturelle – seine kreative Entwicklung ersticken. Er erkennt intuitiv, dass ästhetisches Bewusstsein für einen Künstler kaum von moralischen Werten zu trennen ist.

Joyce entlehnt der Religion den Begriff der Epiphanie, den er als

„eine plötzliche spirituelle Manifestation, ob in der Vulgarität der Rede oder der Geste oder in einer denkwürdigen Phase des Geistes selbst“

beschreibt. In einer Szene des Romans erlebt Dedalus die Epiphanie, die ihn von seiner künstlerischen Berufung überzeugt.

Was ein einfaches Bild war, konnte für ihn zu einem Anblick werden, der ihn erhebt und in eine höhere Sphäre der Spiritualität versetzt, die Joyce und seine Modernisten immer als den wesentlichen Zweck der Kunst erkannt hatten. Es ist die Entdeckung dieser künstlerischen Absicht, die es Dedalus erlaubt, den engen Normen des Nationalismus und der Religion zu entgehen.

Institutionen, die den Verstand, das Herz und die Seele fesseln und Angst und Einschüchterung als Mittel einsetzen, um Konformität durchzusetzen, das ist es, wogegen sich Dedalus als Künstler einsetzen muss. Obwohl im Jahr 1916 veröffentlicht, untersucht Joyce bereits eine der zentralen und Fragen der postkolonialen Literatur:

Um zu der Lampe zurückzukehren, sagte er, die Füllung sei auch ein kleines Problem. Sie müssen ein reines Öl nehmen, und Sie müssen vorsichtig sein, wenn Sie es hineingießen, um es nicht zu überfüllen, und mehr hineingeben, als der Trichter fassen kann.

Welcher Trichter? fragte Stephen.

Der Trichter, durch den Sie das Öl in Ihre Lampe gießen.

Das? sagte Stephen. Wird das ein Trichter genannt? Ist es kein Tundish?

Was ist ein Tundish?

Das. Der Trichter.

Wird das in Irland ein Tundish genannt? fragte der Dekan. Ich habe nie das Wort in meinem Leben gehört.

Es heißt Tundish in Lower Drumcondra, sagte Stephen lachend, wo sie das beste Englisch sprechen.

Ein Tundish, sagte der Dekan nachdenklich. Das ist ein sehr interessantes Wort. Ich muss dieses Wort nachschlagen. Auf mein Wort, das muss ich.

Der Dekan wiederholte das Wort noch einmal.

Tundish! Nun, das ist interessant!

Die Frage, die du mir vorhin gestellt hast, scheint mir interessanter zu sein. Was ist diese Schönheit, die der Künstler aus Klumpen von Ton zu erschaffen versucht, sagte Stephen kalt.

Das kleine Wort schien seine Feinfühligkeit gegen diesen höflichen und wachsamen Feind geweckt zu haben. Er fühlte dass der Mann, mit dem er sprach, ein Landsmann von Ben Jonson war. Er dachte:

Die Sprache, in der wir sprechen, ist seine, bevor sie mir gehört. Wie anders sind die Worte zu Hause, Christus, Bier, Meister, auf seinen Lippen und auf meinen! Ich kann diese Worte nicht ohne Unruhe sprechen oder schreiben. Seine ihm so vertraute und mir so fremde Sprache wird für mich immer eine erworbene Sprache sein. Ich habe seine Worte weder geschaffen noch akzeptiert. Meine Seele steht im Schatten seiner Sprache.

Als ein kolonialisierter „anderer“ erkennt Dedalus die Wahrheit, dass das Beherrschen einer Sprache irrelevant ist; Wichtiger ist, damit geboren zu sein. Die bittere Erkenntnis, dass er immer im Schatten der Sprache dieses Dekans verharren wird, obwohl seine irischen Landsleute den Saft seiner Zunge mit ihrer Seele und ihrem Intellekt wiederbelebt haben, bringt ihre eigene Angst mit sich. Dedalus erkennt, dass er trotz seiner Beherrschung der englischen Sprache immer als Außenseiter betrachtet werden würde – oder im besten Fall als exotisches, wunderbares Tier wie Caliban, den Prospero gnädig seine Muttersprache gelehrt hatte.

Für Joyce sind soziale Konventionen und tyrannische religiöse Institutionen Konstrukte von bigotten Geistern, die entwickelt wurden, um Selbsterniedrigung und Schuldgefühle beim Menschen hervorzurufen. Seine Kunst verwandelt sich in einen neuen Zeitgeist, der zu einer modernen Sensibilität führt. In der Lebensvision der Joyceaner dient die Kunst einem erlösenden Zweck, und Irrtümer und Fehler werden zu kreativen menschlichen Taten.

Da Dedalus auch profane Rebellion als Mittel der Selbstverwirklichung akzeptiert, spornt ihn ein tiefes Gefühl der Freude und Befreiung zu einer reicheren, volleren Existenz und einer Bestätigung des Lebens an:

Willkommen, O Leben! Ich gehe zum millionsten Mal der Realität der Erfahrung entgegen und schmiede in der Schmiede meiner Seele das ungeschaffene Gewissen meiner Gattung. „

Und durch diese leidenschaftliche Aussage behauptet Joyce selbst nach einem Jahrhundert seine Relevanz für die moderne Kunst und Kultur.

Was der SPIEGEL 1960 zu Stanislaus Joyce zu sagen hatte, lesen Sie hier

_______________________________________________________

Abbildung: wiki commons

About James Joyce

Bloomsday,

james joyce-ulysses-bloomsday-cellensia

gefeiert in Dublin und der ganzen Welt, ist ein Versuch, in der Zeit zurück zu reisen, um die Ereignisse von Ulysses  , die im Laufe eines einzigen Tages, dem 16. Juni 1904, stattfinden , zu erleben. Der Bloomsday erinnert alljährlich an Joyces immer noch zeitlose Charaktere, während sie duch Dublin flanieren und uns durch einen einzigen Tag im Edwardian Dublin zu führen.

Bloomsday, auch bekannt als „La Bloom“, leitet seinen Namen von der Figur Leopold Bloom ab, einem irischen Mann jüdisch – ungarischer Abstammung, der als Anzeigenaquisiteur  arbeitet und von dem Literaturkritiker Harold Bloom als eine der „vollständigsten“ Figuren der modernen Literatur gefeiert wurde. 

Bloomsday

Der Eintrag unter dem Juni 1904  in den gesammelten  Briefen von James Joyce  (die erste von Stuart Gilbert gesammelte und herausgegebene Version) enthüllt uns, dass das Datum „16. Juni 1904“ für den 22-Jährigen etwas Besonderes war. Joyce wurde von der Liebe überrumpelt: Es war der Tag, an dem er mit  seiner Geliebten, seiner Muse und späteren Frau Nora Barnacle durch die Stadt ging.

Überraschenderweise, wie Richard Ellmann, Joyce ‚Biograph  uns erinnert, war der Ausdruck „Bloomsday“ bereits kurz nach der Veröffentlichung von Ulysses populär geworden  In seinem Brief an HS Weaver vom 27. Juni 1924 bringt Joyce seine Überraschung zum Ausdruck, als er sich von einer Augenoperation erholt und bereits mit dem Verband kämpft, um die frühen Entwürfe des Nachtbuches überhaupt lesen zu können  ( Finnegans Wake wird es in  15 Jahren heißen). Damals bekommt er „weiße und blaue“ Hortensien von einer Gruppe von Menschen überreicht, die bereits ein Phänomen namens „Bloom’s Day“ feierten. 

Joyce soll über Ulysses geklagt haben  , grübelnd, sotto voce , in der gleichen Singsang Stimme, mit welcher er später die Episode „Anna Livia Plurabelle“ in Cambridge lesen und aufzeichnen würde:

Wird sich jemand an dieses Datum erinnern? „

Wir wissen heute, dass Joyce nicht  unbedingt gejammert haben muss: Dedalus, Bloom und Molly, unter all den anderen Charakteren wie Pater Conmee, Mulligan und Cranly aus dem Joyceschen Oeuvre, entzücken und amüsieren den heutigen Lesern ebenso sehr wie damals.

Nach der offiziellen Bloomsday-Feier in Irland im Jahr 1954 wird Bloomsday nun jährlich in der Kulturhauptstadt Dublin gefeiert, mit einer Vielzahl von Aktivitäten, die vom James Joyce Center organisiert werden. Das Zentrum bietet auch Spaziergänge, Vorträge und Besichtigungen verschiedener Orte an, die von den Romanfiguren im Verlauf eines einzigen Tages besucht werden, darunter der James Joyce Tower und das Museum in Sandycove (wo der düstere Geist lebt) Stephen Dedalus über den „Panther Sahib “ grübelt, und Davy Byrne’s Pub (wo Leopold Bloom auf ein Gorgonzola-Sandwich und ein Glas Burgunder einkehrt), und Nummer 7 Eccles Street  (heilig gesprochen neben anderen berühmten Straßen wie Conan Doyles Baker Street) , um nur ein paar dieser „heiligen“ Orte beim Namen zu nennen. 

Es ist auch mittlerweile nicht mehr ungewöhnlich für unabhängige Theatergruppen und Leser, Lesungen und Performances von Ulysses zu veranstalten Im Laufe der Jahre bot der Bloomsday ein breites Spektrum an verschiedensten Events: Von Lesern und Liebhabern, die sich in edwardianischen Kostümen verkleiden, über Lieder und Tänze auf öffentlichen Straßen bis hin zu Workshops, bei denen der Geschmack der originalen Speisen probiert wird, wie sie in Ulysses von James Joyce beschrieben werden. 

 Lesen

Wer war es, der den Leser nach seinen wahren Motiven beim Lesen  fragte:

“ Warum lese ich das ?“ 

 Das ist eine bekannte Frage, die sich Leser, die den berüchtigten Text von Ulysses von  1922 angehen oft selbst stellen und die Gründe scheinen oftmals nicht sehr klar oder, wie es scheint, sehr überzeugend zu sein. Es bietet sich  jedoch eine möglicherweise plausible Antwort an: Man gewinnt eine gewaltige Freude an dem spannenden Spiel, auf mehreren Ebenen einem komplexen Text zu folgen, der sehr glaubhaft vorgibt, schwierig zu sein. 

Lesen wir Joyce, wird schnell klar, man liest sich nicht nur in das alltägliche,  gewöhnlichen Leben der Dubliner ein, die sich im Text versammeln, sondern auch, um sich selbst als kenntnisreicher, kritischer Leser zu beweisen: Die Ergebnisse solcher „selbstreflexiver Leseproben“  können durchaus demütigend ausfallen, wenn Leser von  Ulysses sich in schwindelerregender Konversation mit einer Vielzahl anderer Texte, Zeiten und Stile wiederfinden.  Bei der atemberaubenden Bandbreite der in Ulysses verwendeten Stile    vom Zeitungslayout im „Aeolus“ -Kapitel bis zur neunmonatigen Schwangerschaft der englischen Sprache im „Oxen of the Sun“-  gibt es scheinbar keinen einzigen langweiligen Moment in  Ulysses.

Einer der Gründe für die Bedeutung des Bloomsday-Festivals liegt also darin, dass es sich aktiv für eine  Rückkehr zum Text einsetzt : Denn der Ruf von Joyces Texten geht ihrer Lektüre fast immer voraus (was zum großen Teil jedoch darauf beruht, dass Joyce selbst sich bemüht hat, ein  gewaltiges Puzzle aus seiner  schriftstellerischen Arbeit zu machen) Um der Unsterblickeit willen, wie er selbst sagte ? Seine Texte werden oft wegen einiger obskurer oder schwieriger Seiten verflucht, und die allein gelassenen Leser stöhnen in ihrer Einsamkeit vor den schwarzen Buchstaben. Der Text, ebenso wie die Charaktere im Roman, verdienen unbedingt eine zweite oder eine dritte oder vierte Chance, sprich Lesung, um endlich sich selbst und den Leser zu erlösen. 

Ulysses  erhält dann bestenfalls ein erleichtertes Echo von seinen Lesern. Diese Antwort sowohl auf den Text als auch auf die Welt, wie Stephen Dedalus in dem Kapitel „Proteus“ in  Ulysses bestätigt, sind unendliche, formgebende Texte: Sie sind   Signaturen“ von „allen Dingen“, die wir hier lesen sollen Joyce zu lesen bedeutet also, die Geburt eines Lesers, der sich an Joyce „Epiphanien“ erinnert und sie in einem erneuerten, interpretativeren Licht lesen wird.  Der alljährliche Bloomsday feiert dieses Fest der Worte und des Wortspiels; es ist nur eine Frage der Zeit, bis man herausfindet, dass  Ulysses auch  noch mehr  zu bieten hat. 

 Bloomsday ist ein Festival, das zu illustrieren versucht, was das große Fest des Lebens wirklich ausmacht: Ulysses ist für jeden seiner Leser immer auch und vor allem eine Reise nach innen, eine Rückkehr in den Text als „the next way home“. 

Das Leben der Lucia Joyce

Ein neuer Roman über Lucia Joyce:

Das Schicksal der Tochter von James Joyce – pure Fiktion ?

james joyce Familie 1924 in Paris-

 

1924 in Paris: James Joyce, seine Frau Nora und seine Kinder Lucia und George.

 

„Sein Buch“,

heißt es in der Vorbemerkung zu Alex Phebys drittem Roman,

„ist als Kunstwerk gedacht. Namen, Charaktere, Unternehmen, Orte und Ereignisse sind entweder das Produkt der Phantasie des Autors oder werden künstlerisch genutzt. Jegliche Darstellungen tatsächlicher Personen sind entweder zufällig oder wurden für künstlerische Wirkung verändert. „

Die Lucia aus Phebys Buch ist Lucia Joyce. Sie ist eine Tänzerin, Insassin einer Anstalt in Northampton, Schwester von George, Nichte von Stanislav, Tochter von James und Nora, Liebhaber von Künstlern … 
Die echte Lucia Joyce wurde 1907 in Triest geboren und wurde professionelle Tänzerin. Sie war die Geliebte der Künstler Alexander Calder und Albert Hubbell. Sie starb 1982, nachdem sie den größten Teil ihres Erwachsenenlebens in psychiatrischer Behandlung verbracht hatte, und mehr als 30 Jahre im St. Andrew’s Hospital in Northampton.
Pheby ist nicht der erste Schriftsteller, der von Lucia angezogen wurde. Ihr Leben war Gegenstand einer Reihe von Romanen, Theaterstücken, wissenschaftlichen Studien – und viel Spekulation. Was war die genaue Natur ihrer Geisteskrankheit, wenn überhaupt? Gab es Missbrauch? Inzest? Wessen Schuld war es, dass sie so lange eingesperrt und so schlecht behandelt wurde?Die vorläufigen Anmerkungen zu Phebys Buch legen nahe, dass Antworten auf diese Fragen weiterhin  umstritten bleiben werden. Einige Namen und andere Details wurden geändert, und in einem Kapitel wurde ein Name vollständig redigiert – ob aufgrund einer Klage, als Vorsichtsmaßnahme oder als Auflage einer Lizenz ist, ist nicht ganz klar.

"Wir sehen Spuren ihres Lebens, das von einem namenlosen Joyce-Nachkommen entsetzlich ausgelöscht wird."  Lucia 1929.
 „Wir sehen Spuren ihres Lebens, das von einem namenlosen Joyce-Nachkommen entsetzlich ausgelöscht wird.“  Lucia Joyce als Tänzerin im Jahre 1929. 

 

Alex Pheby ist ein Schriftsteller, der eine ungewöhnliche, ja außerordentliche literarische Kraft besitzt. Seine Lucia ist die vollendete Darstellung eines beunruhigten und beunruhigenden Lebens. Am bedeutendsten  ist vielleicht, dass er sich nicht um die gegen ihn erhobenen Vorwürfe der Aneignung und Ausbeutung kümmert, die er in dem Buch gegenüber anderen Personen ausübt. Die Kapitel über Lucia sind durch kurze, scheinbar unzusammenhängende Zwischenspiele über die Öffnung eines pharaonischen Grabes verbunden, die eindeutig als Kommentar zu Phebys eigenen Verfahren der literarischen Arbeit, seiner Mixtur aus Recherche und Fiktion  gedacht sind. Partly truth and partly fiction.

Ist er mehr als ein weiterer Grabräuber und Plünderer?

Das Buch konzentriert sich auf die Demütigungen und Verletzungen, die auf Lucias Körper ausgeübt werden – als Tänzerin, Geliebte, Patientin, Frau und als Thema für andere Autoren.

Der Leser begegnet ihr zuerst „bereit für die Box“, als eine Leiche im Northampton Asyl,

durchscheinend und matt, tot in der Berührung, biegsam und unelastisch, völlig ohne jede Substanz“. 

Dann sehen wir Spuren ihres Lebens, die von einem namenlosen Joyce-Nachkommen auf eine entsetzliche Art und Weise ausgelöscht werden – Tausende von Briefen werden verbrannt, die Asche “ verschmiert“ – bevor Pheby die übrig gebliebenen Fragmente dessen zusammenfügt, was während ihres Lebens geschehen ist oder auch nicht. Wütend und oft verstörend detailliert, mit Berichten von Behandlungen, die Rinderserum und kalte Bäder verwenden.

Phebys Rechtfertigung, Missbrauchsszenen zu erfinden und zu imaginieren, ist  einfach:

Alles, was möglich gewesen wäre, ist in Anbetracht all der zerstörten Beweise, die dieses als falsch erweisen könnten, also heute ebenso gültig und korrekt.“

Da alles möglich gewesen wäre, ist auch alles erlaubt? Das war naturgemäss genau das Problem für Lucia bei den Joyces und ihren Mitarbeitern.

Zu James Joyce:

Sagen wir, er sitzt im Wohnzimmer und da ist der richtige Gegenstand seiner Zuneigung – seine Frau, Nora – und er wird von ihr erregt, aber dann geht sie, während er die Zeitung liest, und du, Lucia , ersetze sie auf ihrem Stuhl. Als er das Papier hinlegt, sieht er dich in seiner Erregung. Ist es ein Wunder, dass seine Erregung in der verschwommenen Welt, in der er lebt, wenn er seine Lesebrille auf der Nase  hat statt seiner normalen Brille , auf dich übertragen wird? „

Zu Stanislav Joyce:

„Versteht auch, dass der Bruder eines Mannes oft ein unausgesprochenes Verlangen nach der Frau seines Bruders hat, und was könnte natürlicher sein? […] in dem Bewusstsein, dass ein Bruder niemals zwischen seinen Bruder und seine Frau kommen kann … vielleicht aber an das Mädchen? „

Alle Joyces kommen in diesem fiktionalen Text schlecht weg; ebenso kommt Samuel Beckett schlecht weg; ebenso  Calder, Hubbell, die Ärzte und Begleiter im Asyl; und alle Schriftsteller und Leser, die in diesem Kielwasser (wake) gefolgt sind.

Gaffende, wächserne Idioten, die sich an deinem Körper vorbeischleppen, weil sie denken, dass es das Richtige ist […] Sie schauen durch Glas, ihr Verlangen einen Blick ins Jenseits zu werfen, so lüstern und formlos in die Fenster starrend einen Blick auf den Tod eines anderen zu werfen, irgendwie zu verstehen, was sie sind. „

Mit wachem Verstand zu lesen.

  Alex Pheby – Lucia – Galley Beggar Press London . 

__________________________________________________

Quelle: the guardian  Fotos: ap

 lucia-joyce

Auszug aus einer Rezension der IRISH TIMES:

Im Jahr 1934 nahm Lucia Joyce auf einer Party zur Feier des 50. Geburtstages ihres Vaters James einen Stuhl und warf ihn auf ihre Mutter. Ihr Bruder Giorgio begleitete sie anschließend in das Sanatorium von Dr. Otto Forel in Nyon, Schweiz, und Lucia verbrachte das verbleibende halbe Jahrhundert ihres Lebens in verschiedenen psychiatrischen Einrichtungen.

Auf dem Internationalen James Joyce Symposium sorgte Lucias Neffe Stephen Joyce 1988 für einen Schock, als er verkündete, er habe alle seine Briefe von Lucia Joyce zerstört und auf Becketts Bitte  auch die Korrespondenz zwischen Lucia und Samuel Beckett komplett zerstört. Stephen Joyce, der am Ende der Familie steht und der auch der Testamentsvollstrecker des Joyce-Estate ist, pflegt einen strengen „Datenschutz“ bezüglich der Familienpapiere. Akademikern, die versucht haben, etwas über die Joyce-Familie zu veröffentlichen, wurden ständig  mit Gerichtsverfahren überzogen.

Als begnadete Tänzerin in der Pariser Boheme der 1920er Jahre ist Lucia wie geschaffen für die passende  Mythologisierung, besonders für sensationslüsterne Journalisten. Gründe gibt es genug: wegen ihrer psychischen Gesundheit, es gibt  Gerüchte über Inzest und lesbische Beziehungen und weiteres.

Der unglaubliche, ja verstörende Akt des Verbrennens sämtlicher Briefe von James Joyces Tochter  Lucia Joyce , der eine wirksame Plattform für Spekulationen aller Art  eröffnet hat, hat alldem nur einen weiteren, aufsehenerregenden Vorfall, ja Skandal hinzugefügt.

In den letzten 15 Jahren war sie daher mehrmals das Thema zahlreicher Romane, darunter Alan Moores Jerusalem (2016) und Annabel Abbs ‚ The Joyce Girl (2016); eine Graphic Novel, Mary und Bryan Talbot’s Dotter von Her Father’s Eyes (2012); eine Biographie, Carol Loeb Shloss Lucia Joyce: Dancing in the wake (2003) und weitere.

Der Roman selbst beginnt mit Lucias Beerdigung in Northampton im Jahr 1982 und lebt mit einem beunruhigenden Blick auf ihren Körper

Lucia, am Bloomsday 2018 erschienen, behandelt Lucia Joyce mit einem ungewöhnlichen Aufwand an kritischer  Recherche  und Empathie und setzt damit nicht nur den Maßstab für  eine intellektuell kompromisslose fiktionale Biographie, sondern auch für ein rigoros fragendes narratives Experiment. Phebys zweiter Roman “ Playthings“ , herausgegeben von Galley Beggar, konzentrierte sich ebenfalls auf einen wahren Fall, diesmal von Daniel Paul Schreber, einem deutschen Richter aus dem 19. Jahrhundert, der von einem plötzlichen Beginn paranoider Schizophrenie im mittleren Alter betroffen war. In Lucia hat seine Auseinandersetzung mit einer so kontroversen Geschichte und einem so kontroversen Fall männlicher Aneignung zu einem  faszinierenden Buch geführt.

Lucia untersucht auch den Streit übder das Erbe der Joyce Familie. In einer frühen Szene, während der berüchtigten Verbrennung der Briefe, schreibt Pheby:

Es gab Wörter in Folge, aber sie waren bedeutungslos. Wie viele, dachte er, würden das Gesetz  brechen? Was macht Sinn? „

Phebys Talent ist es, die ethischen, literarischen und philosophischen  Fragen zu Lucias Fall zu erörtern und sie in den Mittelpunkt emotionaler und intellektueller Anteilnahme zu rücken.

Der Roman handelt von den Gerüchten über Inzest. In einer bemerkenswerten Passage scheint der Autor in sein Buch einzusteigen und sowohl sein Projekt als auch den Kanon der „Lucia“ -Literatur zu untersuchen, die es anspricht:

Wenn man Geheimnisse hat und dann die Beweise dieser Geheimnisse in einem Scheiterhaufen verbrennt, lädt man Spekulationen ein, und Spekulation ist in gewisser Weise unendlich. . ] Alles, was möglich gewesen wäre , ist in Ermangelung von zerstörten Beweisen , die sich vielleicht als falsch erwiesen hätten,  heute ebenso korrekt. „

Als emotional kraftvoller und ständig fragender Roman untersucht Lucia Spekulation, Wahrheit in einer unlösbaren Einheit von Geschichte, Biografie und Erzählung.

Anita Ree

Anita Rée  Das Werk

Anita Ree ist eine der faszinierenden und rätselhaften Künstlerinnen der 1920er-Jahre.

 

anita_ree_selbstbildnis_1930

Anita Ree – Selbstportrait 1930

Anita Ree lebte in vielerlei Hinsicht ein Leben zwischen den Welten: als selbstständige Frau in der Kunstwelt zwischen Tradition und Moderne, als regionale Künstlerin mit internationalem Anspruch,  als protestantisch erzogene Hamburgerin mit südamerikanischen und jüdischen Wurzeln.

Auch in den Werken Anita Rées (1885–1933) spiegeln sich die zum Teil radikalen Veränderungen der modernen Gesellschaft zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt steht dabei die existentielle Frage nach der eigenen Identität. In eindringlichen Bildern präsentiert Rée Menschen anderer Herkunft und das Selbst als fremdes Wesen. Ihre intimen Frauenakte berühren. Porträts von Herren der Gesellschaft, die südliche Landschaft als Sehnsuchtsort, weltliche Figurenbilder mit religiösem Gehalt oder vereinzelte Tiere in kargen Dünen zeigen die große Vielfalt ihrer Motive. Sie  reichen  von impressionistischer Freilichtmalerei über kubistisch-mediterrane Landschaftsbilder bis hin zum neusachlichen Porträt.

Im Prestel Verlag erschien dieses Werkverzeichnis, herausgegeben von der Hamburger Kunsthalle, im Format 30x40cm, mit vielen, teils ganzseitigen Abbildungen.

anita_ree_selbstbildnis_um_1913

Anita Ree – Das Werk – Prestel Verlag – 260 Seiten – ISBN 978-3-7913-5712-6

Levi-Strauss und Montaigne

Von Montaigne zu Montaigne

levi strauss-von montaigne zu montaigneÜber die revolutionäre Bedeutung der Ethnographie

 

Die beiden, im Abstand eines halben Jahrhunderts gehaltenen, hier vorgestellten Vorträge des französischen Ethnologen , Anthropologen, Soziologen und Philosophen Claude Lévi-Strauss, die durch die Schriften von Montaigne verbunden sind, markieren  daher auch den Weg des anthropologischen Denkens in dieser Epoche.

Wie Emmanuel Desveaux in seinem etwas sperrigen Vorwort darlegt, erklärt der erste Text  von 1937 – vorgetragen vor Vertretern der Gewerkschaft CGT – Levi-Strauss war  einige Zeit Sekretär der sozialistischen Studentenschaft –  die als „Diffusionismus“ bekannte Theorie der Entwicklung und Ausbreitung des kuturellen Fortschritts und der daraus resultierenden , sich entwickelnden Gesellschaftsstrukturen, wobei die dem Verfahren innewohnende Diachronie den signifikanten Unterschied zu der evolutionistischen Theorie markiert, da sie sich über Zeit und Raum definiert.

Die Ausbreitung als solche wird zum Indiz und nicht zum ehrenrührigen Zeichen schöpferischer Unfähigkeit. Sie befreit sich von der Obsession des Fortschritts und seiner ursprünglichen Lokalisierung, indem sie vielmehr dazu auffordert, den Raum zu erkunden, um sowohl die Ausdehnung wie die Grenzen bei der Verteilung der Kulturelemente ausfindig zu machen.“

Für den Levi-Strauss von 1937 ist das dünne Band des sozialen Kontakts bei der Verbreitung der Kulturen stets auch  Garant für  eine gewisse Beständigkeit und stetigen  Fortschritt der Gesellschaften.

Nicht ganz ohne einen gewissen Rechtfertigungsdruck gelangt Levi-Strauss  zu der Behauptung, dass die Ethnographie eine revolutionäre Wissenschaft sei. Es liegt daran, dass erst der kritische, andere Blick von außen Relativismus  und kritisches Denken ermöglicht und uns in die Lage versetzt die „Andersheit“ primitiver Kulturen erkennen  zu können, den „edlen Wilden“ seiner Würde nicht zu berauben.

Wir sind also bei Montaigne. Um seinen Standpunkt zu untermauern, erkennt er  auch eine „bemerkenswerte Entwicklung der ethnographischen Wissenschaft“ dank der Revolution von 1917. Forscher gingen damals nach Sibirien und richteten erstmals ihre wissenschaftliche Aufmerksamkeit auf  frühe Kulturen.  Levi-Strauss, der immer nur ein „minimaler Marxist“ war, ist diesem neuen  Weg nicht bedingungslos  gefolgt, denn nach 1927 fiel die Institution unter den Schatten des Stalinismus und wurde sofort geschlossen.

Der zweite Vortrag, ein halbes Jahrhundert später, markiert das Jahr 1992. Der 87-jährige Levi-Strauss liest drei Essays von  Montaigne und begleitet damit  André Thévet (1558) und Jean de Léry (1578) nach Südamerika. Lévi-Strauss lädt sein Publikum zu einer Plauderstunde ein. Er differenziert den Einfluss dieser beiden Forscher auf Montaigne indem er herausstellt, dass der letztgenannte hier auch einen wertvollen Forscher und Informanten hatte “ der zehn oder zwölf Jahre in dieser anderen Welt gelebt hatte“. 

Levi-Strauss erkennt mit sicherem Blick in Montaignes Werk „eine Skizze dessen, was später zur Theorie des sogenannten guten Wilden werden wird“, nämlich  immer auch die Möglichkeit einer Entwicklung zu einer „Andersheit„, die Chance der Entwicklung hin zu einer „vernünftigen Gesellschaft„, die zum Gesellschaftsvertrag und der Idee führt

„dass keine Gesellschaft barbarisch sein kann in Bezug auf die Kriterien der Vernunft, denn alle kulturellen Element haben ihre Funktion“.

Somit ist die Kenntnis des „anderen“ notwendig auch für die Kritik an der eigenen Gesellschaft.

Diese revolutionäre Bedeutung der Ethnographie hat Levi-Strauss vor allem als Intellektuellen beeinflusst. Alles in allem hat sie ihn veranlasst, den Vorrang des Unterbaus vor dem Überbau usw. aufzugeben. Dieser ganze pseudowissenschaftliche Plunder wird über Bord geworfen.“

Levi-Strauss Mythologica beschliesst die Luchsgeschichte. Und hier thematisiert er Montaignes Pessimismus und seinen berühmten Satz aus den Essaies:

Wir haben keinerlei Anteil am Sein“.

Jeder einzelne von uns sei eine Zitadelle der Idiosynkrasie, deren Wälle seien die Gewohnheit und die Meinung. Jede Gesellschaft bildet somit ein kohärentes Ganzes und Montaigne , der immer an seinem katholischen Glauben festgehalten hatte, bestreitet vehement jegliche Möglichkeit von Reformen. Indem man Elemente der Gesellschaft entferne oder verändere, laufe man Gefahr, sie zu zerstören.

In diesem Sinne, so Levi-Strauss, sei Montaigne Vorläufer des Funktionalismus, ja sogar des Strukturalismus in der Anthropologie gewesen.

Claude Levi-Strauss . Von Montaigne zu Montaigne – Suhrkamp . ISBN 978-3-518-29847-3